Murió el desconcertante David Lynch

El cineasta había revelado en 2024 que tenía enfisema

El director y guionista David Lynch, quien radicalizó el cine estadounidense con una visión artística oscura y surrealista en películas como Blue Velvet y Mulholland Drive y la televisión abierta con Twinn Peaks, murió a los 78 años de edad.

Lynch reveló en 2024 que le habían diagnosticado enfisema después de toda una vida fumando y que probablemente ya no podría salir de su casa para dirigir. Su familia anunció su muerte en Facebook , escribiendo: “Hay un gran agujero en el mundo ahora que ya no está con nosotros. Pero, como él decía, ‘Mantén la vista en la rosquilla y no en el agujero’”.

La serie de televisión Twin Peaks y películas como Blue Velvet, Lost Highway y Mulholland Drive mezclaban elementos del terror, el cine negro, la novela policíaca y el surrealismo europeo clásico. Lynch tejió relatos, no muy distintos de los de su predecesor español Luis Buñuel, que se desarrollaban con su propia lógica impenetrable.

Después de años de dedicarse a la pintura y a la realización de cortometrajes de animación y de acción real, Lynch irrumpió en la escena cinematográfica con su debut en 1977, Eraserhead, una obra horrorosa y de humor negro que se convirtió en un elemento inquietante del circuito de películas de medianoche. Su estilo extravagante e intransigente rápidamente se ganó la atención de Hollywood y del mundo del cine internacional.

La productora de Mel Brooks lo contrató para escribir y dirigir The Elephant Man, un drama profundamente conmovedor sobre un fenómeno de feria horriblemente deforme en la Inglaterra victoriana que se convirtió en una celebridad nacional. El largometraje recibió ocho nominaciones al Oscar, incluida la primera de Lynch como mejor director.

Tuvo menos éxito con su adaptación de 1984 de la extensa novela de ciencia ficción de Frank Herbert Dune. La producción, realizada con un presupuesto de 40 millones de dólares durante un arduo rodaje de tres años, fue un fracaso de taquilla colosal.

Sin embargo, Lynch se recuperó del desastre con dos películas que definieron su estilo maduro: Blue Velvet (1986), un aterrador viaje infernal a través del lado psicosexual de un pequeño pueblo estadounidense, y la violenta y sexual road movie Wild at Heart (1990), que fue distinguida con la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes.

En 1990, revolucionó la televisión estadounidense por episodios con Twin Peaks, una serie que creó junto al guionista Mark Frost. Con la acción que surge de la investigación del misterioso asesinato de una chica de secundaria en un pueblo maderero de Washington, el programa semanal de la ABC abordó temas inquietantes y hasta entonces tabú e hizo de lo inexplicable un elemento fijo de la televisión narrativa moderna.

Twin Peaks, un gran éxito en su primera temporada, perdió impulso y, en última instancia, su audiencia en el segundo año. Sin embargo, generó una precuela de larga duración, la exagerada Twin Peaks: Fire Walk With Me de 1992; 25 años después, el afecto constante de un culto leal de espectadores dio lugar a una tercera temporada de duración limitada para Showtime que retomaba lo que había dejado la segunda temporada.

Más adelante en su carrera, en largometrajes como Lost Highway (1997), Mulholland Drive (que le valió el premio al mejor director en Cannes en 2001) e Inland Empire (2006), Lynch hizo gala de un estilo muy apasionado que giraba en torno a tramas que enfatizaban personalidades dobles, transformaciones inexplicables y actos de violencia impactantes. La tranquila pero peculiar The Straight Story” (1999) evocaba la atracción emocional más reservada de The Elephant Man.

El propio director se mostró siempre reticente a la hora de descifrar el significado de su obra para sus espectadores. En la recopilación de entrevistas en formato libro Lynch On Lynch (2005), abordó el núcleo enigmático de su obra con el escritor Chris Rodley.

“Bueno”, dijo Lynch, “imagínate que encontraras un libro de acertijos y pudieras empezar a desentrañarlos, pero fueran realmente complicados. Los misterios se harían evidentes y te emocionarían. Todos encontramos este libro de acertijos y eso es lo que está pasando. Y puedes descifrarlos. El problema es que los descifras dentro de ti mismo, e incluso si se lo contaras a alguien, esa persona no te creería ni lo entendería de la misma manera que tú”.

La carrera única de Lynch fue reconocida con un premio especial (compartido con su estrella habitual Laura Dern) en los Independent Spirit Awards de 2007 y un León de Oro en el Festival de Cine de Venecia de 2006.

Nació el 20 de enero de 1946 en Missoula, Montana. Su padre era un científico investigador del Departamento de Agricultura y su familia itinerante vivió en los estados de las llanuras, el noroeste del Pacífico y el sudeste antes de establecerse en Alexandria, Virginia, donde Lynch asistió a la escuela secundaria.

Lynch, un estudiante indiferente, se centró en la pintura. A una estancia de un año en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston y a un viaje abortado a Europa con su amigo Jack Fisk (que más tarde se convertiría en un destacado diseñador de producción de Hollywood) le siguió su inscripción en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, en Filadelfia, en 1965.

Lynch, que vivía en un barrio hostil de Filadelfia con su primera esposa y su pequeña hija Jennifer (que más tarde se convirtió en directora), comenzó a incursionar en el cine y dirigió los cortos animados Six Men Getting Sick (Six Times) y The Alphabet (1968).

La abuela (1970), una combinación de animación y acción en vivo, se filmó con dinero obtenido de una beca del recién fundado American Film Institute. En 1971, Lynch se mudó a Los Ángeles para estudiar cine en el Conservatorio de Estudios Avanzados de Cine del AFI, con sede en la antigua mansión Doheny en Beverly Hills.

A principios de 1972, Lynch comenzó a trabajar en un largometraje en el AFI. Inspirado por sus años sombríos como grabador de impresiones y artista en apuros en Filadelfia, un guion inicial de 21 páginas comenzó a tomar forma; Lynch diría más tarde que no recordaba haberlo escrito. En el transcurso de los siguientes cinco años, hizo la película con varios colaboradores que permanecerían constantes en su carrera, incluido el diseñador de sonido Alan Splet, el director de fotografía Frederick Elmes y el actor Jack Nance.

Filmada laboriosamente, a bajo costo y sobre la marcha durante cinco años, Eraserhead fue estrenada por la distribuidora independiente Libra Films International en 1977. La inquietante película en blanco y negro seguía el descenso psicológico de su torpe héroe Henry Spencer (Nance) después del nacimiento de su monstruosamente malformado bebé.

Los críticos se alarmaron mucho cuando la película se estrenó en el Filmex de Los Ángeles en 1977, pero adquirió vida comercial propia cuando Libra la estrenó en las funciones de medianoche en Nueva York, San Francisco y Los Ángeles. Lynch aparecía con frecuencia en las funciones de Los Ángeles y advertía a su desconcertado público: “No pregunten por el bebé”.

Un espectador entusiasta de una función de medianoche en el Teatro Nuart de Los Ángeles fue Stuart Cornfeld, productor de Brooksfilms, de Mel Brooks. Instó a Brooks a contratar a Lynch y, después de ver Eraserhead, Brooks le ofreció trabajo al director.

Para su proyecto, Lynch se hizo cargo de la historia de John Merrick, cuya sensacional historia de vida ya había inspirado la exitosa obra de Bernard Pomerance de 1977. La versión cinematográfica de El hombre elefante fue una iniciativa completamente nueva, coescrita por Lynch y protagonizada por un John Hurt muy maquillado como el sensible Merrick, Anthony Hopkins como el cirujano del Hospital de Londres que se convirtió en su tutor, y la esposa de Brooks, Anne Bancroft, como una simpática estrella de teatro del West End.

El hombre elefante tuvo un poderoso impacto emocional y se convirtió en un éxito de taquilla y crítica; Lynch recibió nominaciones al Oscar como mejor director y mejor guión adaptado, y la película también recibió una nominación a mejor película. El triunfo condujo a un acuerdo de varias películas con Dino Di Laurentiis.

La extensa ópera espacial Dune, sobre dinastías familiares galácticas que luchan por la posesión de una “especia” para viajes espaciales extraída en un planeta desértico, ya había derrotado las adaptaciones proyectadas por Alejandro Jodorowsky y Ridley Scott cuando Lynch se hizo cargo del material.

Filmada laboriosamente en estudios mexicanos con un enorme elenco internacional,  Dune contó con un diseño de producción inusual que combinaba a Flash Gordon con Antonio Gaudí, una galería memorable de villanos lynchianos dementes y las visuales amnióticas características del director.

La película no satisfizo a nadie: tanto el público, que estaba en sintonía con el heroísmo bullicioso de La guerra de las galaxias, como los críticos impacientes rechazaron la interpretación retorcida, confusa y duramente digerida que hizo Lynch de la novela de Herbert, y la película fracasó al llegar. Lynch le dijo más tarde a Chris Rodley que, al final de la terrible experiencia, “estaba casi muerto. ¡Casi muerto!”.

Sin embargo, la segunda película de Lynch para De Laurentiis definió los contornos de su estilo maduro. Blue Velvet fue protagonizada por Kyle McLachlan, quien había interpretado al héroe mesiánico de Dune, como un chico de un pueblo pequeño que se ve inmerso en un torbellino de violencia sexual, asesinato y sadomasoquismo.

Con un potente reparto que incluía a Isabella Rossellini (con quien Lynch se involucró sentimentalmente), Laura Dern, Dean Stockwell y, sobre todo, Dennis Hopper como su villano perturbado y fuera de control, Blue Velvet polarizó a los críticos, pero consolidó la reputación de Lynch como un autor cinematográfico intrépido y audaz. La película fue el comienzo de su colaboración con el compositor Angelo Badalamenti.

Cuatro años después, el estilo Lynch llegó a la pantalla chica con Twin Peaks. Protagonizada por McLachlan en el papel del excéntrico agente del FBI Dale Cooper, la serie utilizó la investigación del asesinato de la reina del baile Laura Palmer como trampolín hacia un torbellino narrativo que incluía intrigas sexuales, adicción a las drogas, prostitución, locura y posesión demoníaca. Los espectadores de televisión sintonizaron la serie para seguir el misterio y permanecieron atentos a los personajes complejamente entrelazados y a los giros de trama perversos y a veces sobrenaturales.

La primera temporada del programa obtuvo 14 nominaciones al Emmy, incluyendo guiños para Lynch por escribir y dirigir el piloto, pero los índices de audiencia cayeron después de la prolongada revelación del asesino de Palmer y la participación decreciente de Lynch debido a la producción de un nuevo largometraje, lo que llevó a un final de suspenso al final de la segunda temporada.

Sin embargo, la saga de Twin Peaks tuvo continuidad. La actriz Sheryl Lee regresó de entre los muertos para interpretar a Laura Palmer en Twin Peaks: Fire Walk With Me, que narraba la fatídica última semana de la vida de Palmer con detalles escabrosos y estridentes. Y los televidentes de cable volvieron a quedar desconcertados con la muy tardía tercera temporada de 2017, que reunió a McLachlan y a varios miembros del elenco original.

El legado más auténtico de Twin Peaks puede haber sido su impacto en el desarrollo de series episódicas de larga duración poco habituales. Las series sucesoras, desde Wild Palms hasta True Detective, llevaban todas las huellas estilísticas distintivas de Lynch.

El primer largometraje de Lynch después de Twin Peaks, Wild at Heart (Corazón salvaje) de 1990, fue un éxodo extraño, basado en una novela de Barry Gifford, en el que un ex convicto obsesionado con Elvis (Nicolas Cage) y su novia (Laura Dern) son perseguidos por los secuaces asesinos de la madre celosa de la chica (la propia madre de Dern, Diane Ladd). La reacción en el país fue mixta ante la mezcla sangrienta y sexualmente franca de Detour y El mago de Oz, pero el jurado de Cannes quedó maravillado.

La asociación de Lynch con Gifford continuó con Lost Highway, para la que ambos colaboraron en un guion original. Un misterio de asesinato que prefiguró a Mulholland Drive, el inquietante y brutalmente efectivo thriller protagonizado por Bill Pullman, Balthazar Getty y Patricia Arquette como los protagonistas de un cuarteto homicida.

Tras pasar la mayor parte de la década al margen de la coherencia narrativa, Lynch volvió a la tierra con The Straight Story, el primer largometraje en el que no participó en la escritura. En la película, distribuida incongruentemente por Disney y basada en una historia real, Richard Farnsworth interpretó a un hombre de Iowa que conduce desde Iowa hasta Wisconsin en una cortadora de césped eléctrica para visitar a su hermano gravemente enfermo.

Aunque no fue un gran éxito, la película fue bien recibida por la crítica y demostró a los detractores de Lynch que era capaz de dar vida a un material que no era extravagante. Farnsworth recibió una nominación al Oscar por su actuación; el veterano actor y especialista, que sufría un cáncer de próstata terminal durante la producción de la película, se suicidó en 2000.

Una versión ampliada de un posible piloto para una nueva serie de televisión se convirtió en lo que puede haber sido la película más aclamada de Lynch y un resumen definitorio de los temas y las obsesiones narrativas del cineasta.

Mulholland Drive es una oscura y satírica crítica de las costumbres de Hollywood, en la historia de una joven actriz (Naomi Watts) cuya relación con un desconocido amnésico (Laura Elena Harring) se convierte en una historia de manipulación, traición y suicidio. Lynch fue nominada al Oscar a la mejor dirección en 2002.

Algunos de los mismos temas salieron a la luz en Inland Empire, la primera película de Lynch filmada íntegramente en video digital, con Laura Dern en el papel de una actriz en decadencia involucrada en un trastorno psíquico típico de Lynch. Debido a su formato, que todavía era relativamente poco común en las salas de cine en 2007, el largometraje de tres horas fue poco visto después de su estreno en 2007 en el Festival de Cine de Venecia.

Además de su trabajo en cine y televisión, Lynch expuso sus pinturas a nivel internacional y publicó muchos álbumes de música en solitario y en colaboración. Colaboró con una tira cómica semanal, The Angriest Dog in the World, para el semanario alternativo Los Angeles Reader durante ocho años. Sus irónicos y socarrones informes meteorológicos se emitieron a diario en la estación de rock de Los Ángeles Indie 103.1 durante varios años y continuaron en las redes sociales.

Devoto de la meditación trascendental desde la década de 1970, creó su Fundación David Lynch para promover la práctica oriental y reclutó a estrellas como Paul McCartney, Ringo Starr y Donovan para conciertos para recaudar fondos.

A pesar de los persistentes rumores de nuevos proyectos de cine y televisión después de que Twin Peaks llegara a su fin en 2017, Lynch se centró en hacer videos musicales y componer música con colaboradores como Christabell. Ofreció su nombre a la Escuela de Posgrado David Lynch de Artes Cinematográficas de la Universidad Maharishi y a una línea de granos de café, y diseñó los clubes nocturnos Silencio en París y Nueva York. Lynch se casó cuatro veces. Le sobreviven dos hijas y dos hijos. (Con información de Chris Morris, autor de la revista Variety) https://variety.com/