Entrevista con el director de Yerma, en el Foro Lucerna
Federico García Lorca nació el 5 de junio de 1898 en Granada, España y fue fusilado en 1936.
En 1929, Lorca inició un viaje a la “civilización sin raíces”, como él la definió, y de ahí surgió su libro Poeta en Nueva York.
Al regresar a España, creó y dirigió la compañía de teatro ambulante La Barraca. Y a partir de los años 30 del siglo pasado, el éxito de obras como Bodas de sangre, Yerma, La casa de Bernarda Alba y Mariana Pineda le permitieron al poeta granadino viajar varias veces a nuestro continente.
Pero en España vivía un clima político adverso y al estallar la Guerra Civil Española (1936 y 1939), Lorca fue arrestado. Días después muere fusilado por el régimen de Francisco Franco (miedo, represión en todos los sentidos, control ideológico y moral, pobreza).
Yerma, obra de la trilogía rural del autor, es la historia de una joven casada con un desconocido por voluntad de su padre, que no puede tener hijos, negativa que conduce a la joven a cometer un asesinato. Fue un escándalo en su estreno y muy criticada por la prensa conservadora de aquél entonces, cuando la mujer se tenía que casar y parir hijos.
Hoy, a 90 años de escrita, habría que pensar en las nuevas Yermas o el giro que desde entonces hace eco de ése argumento de los años 30 del siglo pasado en las de este siglo XXI.
Ahora en la Ciudad de México, será estrenada en el Foro Lucerna el miércoles 23 del mes en curso, bajo la dirección de Jean Guy-Lecat y las actuaciones principales de Ana de los Riscos y Sergio Bonilla.
El director
Hablamos con Jean Guy-Lecat, líder mundial en el campo del teatro y el diseño, fue director técnico y escenógrafo de Peter Brook durante un cuarto de siglo. El también arquitecto francés, autor de varios libros y maestro, ha transformado cientos de espacios escénicos, salas y teatros en diversos países. Un apasionado que en su trabajo tiene entre sus palabras favoritas: simplicidad.
¿Cómo se conjugan el espacio escénico y la puesta de Yerma?
JGL: No, no funciona. No conjuga porque estuvimos obligados hacer un set. El espacio es una caja muerta, una caja negra y no hay la entrada que quisiéramos para los actores, entonces, la idea era no tener un set, no lo necesitamos. Tenemos esta pared hermosa con materiales preciosos podríamos también usar el espacio vacío. Pero aquí nos vimos obligados a hacer un set, porque necesitamos entrada, y las paredes están muertas
¿Pero eso, determinó alguna modificación en cómo se presenta la obra en su esencia? ¿o el contenido cómo se había pensado?
JGl: No en realidad. Pero si tuviéramos una mejor relación para con el espacio, eso ayudaría a los actores y la obra sería más fuerte. Y lo más importante es que, si el espacio tiene cierta calidad, cierta estética, tendríamos al público dentro del set, porque de esa forma no estarían “viendo” sino “compartiendo”.
Entiendo entonces que no le gustó mucho el espacio escénico y lo tuvo que adaptar; se decoró la caja negra para adaptarla a la obra, pero a él hubiera preferido que fuera lo más austero posible.
JGL: Me hubiera gustado que espectadores y actores hubieran estado dentro de la misma estética, dentro del mismo espacio.
¿Cuáles fueron los desafíos en cuanto a dramaturgia y a la puesta en escena, ante esta obra de Lorca?
JGL: Esta siempre es la pregunta para muchas compañías, que empiezan a hacer textos clásicos con el vestuario de hoy, o transformar el texto de diferentes personajes para hablar de hoy día.
En el teatro hay diferentes niveles, el primero es hacer la historia, y esto lo podemos hacer en cualquier época, no hay ningún problema. El segundo nivel es la dimensión poética, el texto de Lorca es poesía hermosa, pero es un poquito de ayer. Creo que sería difícil tener esta poética del pasado, y mezclarla con un vestuario de hoy. Hicimos el vestuario más o menos neutral; estamos en el campo, lo cual es muy importante, y no estamos en la ciudad, estamos en el ayer. No sabemos exactamente cuándo pero no es importante. Lo relevante es contar bien la historia, y escuchar el texto.
Para mí esto es lo más importante respecto a Lorca, con Shakespeare, con Moliere, con Chéjov, es muy importante escuchar el texto para ver la otra dimensión de la obra, y este es el verdadero reto. Si actuamos demasiado damos demasiada información y no manejamos un espacio para que el público use su imaginación, y si no actuamos-jugamos suficientemente, no le damos a la gente la posibilidad de pensar.
Y esta obra tiene muchos niveles: la situación de la mujer; cómo la mujer está atrapada por la moral de la sociedad; la libertad de la mujer, la educación en el campo, la seguridad de las personas. Esta obra es muy rica, entonces no sé si lo vamos a hacer bien, pero no quiero jugar demasiado, actuar demasiado, para dejarle espacio al público que pueda pensar sobre todas estas dimensiones, está conectado a la cuestión de la escenografía. Si no tenemos escenografía sólo tenemos el espacio, y tendríamos esta simplicidad necesaria.
Empezó dando mayor peso a la poética y a la belleza de Lorca ¿cómo podríamos resumir la vigencia de Yerma, que fue un escándalo cuando se estrenó, en esta época?
JGL: Esa es una pregunta del teatro hoy en día. La gente ha dejado de escuchar. Estamos en un mundo completamente visual: cine, videos, teléfonos, la computadora, no escuchamos. Y ahora nos damos cuenta: las personas ya no se entienden unas con otras. Hay dos posibilidades, uno muy extremo en la parte visual con el riesgo de que no entendamos la obra, o lo opuesto. Y yo decidí estar en el lado en el que tenemos que escuchar. Mi idea es actuar el texto sin tener que exagerar el gesto, para obligar al público a escuchar; que entiendan la historia, que entiendan las diferentes dimensiones duras de la historia y que amen la poesía de la obra.
Es un reto para ambos, ustedes y el público…
JGL: ¿Cómo es que vino a México?
JGL: Conocí en Madrid a una de las actrices desde hace tiempo, ella quería absolutamente hacer Yerma conmigo. Y le tomó tiempo encontrar la producción.
Es Ana. Con toda la admiración que se merece alguien como usted ¿quién le gana al hacer teatro: el espectador, el arquitecto, el escenógrafo, el director, el maestro?
JGL: El que más gana es el que estoy haciendo en ese momento. Cuando me encuentro en un teatro como arquitecto estoy completamente sobre eso, y me gusta mucho. Y todas estas cosas son absolutamente complementarias, porque los hombres detrás de todo esto, es decir, la principal razón detrás de todo esto, es la simplicidad. Obligar al ser humano a pensar en esta simplicidad. Un buen ejemplo es cuando doy clases y les hablo a los estudiantes de que necesitan ver Romeo y Julieta, y siempre dicen: “el balcón”… que es exactamente lo que no necesitamos.
¿Ha venido en anteriores ocasiones a México?
JGL: Sí, hace muchos años, en los setenta vine como escenógrafo para Peter Brook.
¿Es entonces un riesgo lo que va a pasar con Yerma… ?
JGL: Yo sólo quiero estar seguro de que al público lo mueva esta tragedia…y el resto del tiempo que piensen un poquito, y hacerlos cambiar en algo sus vidas. Porque hay millones de Yermas alrededor del mundo, y en nuestra sociedad tan cómoda se nos ha olvidado.
JRG: ¿Cómo ve el teatro del futuro?¿Qué le depara a Lecat?¿Al teatro del futuro, de nuestros nietos y las generaciones que siguen? ¿Cómo lo vislumbra?
JGL: En general en el arte, podemos tocar a cualquiera, si el arte está lleno de belleza, emoción y astucia .
Yerma, de Federico García Lorca. Foro Lucerna: Del 23 de octubre al 12 de diciembre de 2024. Elenco: Ana de los Riscos, Camila Selser, Iván Carbajal, Cecilia Tamayo, Karla Bourde, Sergio Bonilla, Assira Abbate, Paulina Soto y Elizabeth Guindi. Diseño de escenografía e iluminación: Félix Arroyo. Vestuario: Giselle Sandiel. Música original: Gerardo Olivares. Asistente de Dirección y traductor: Oscar Casanova.
